Mr. Belzoni

Art Tatum & Ben Webster - The Album (1956)

2009-06-22T13:58:00.000-07:00

No puedo creer que no haya posteado antes este disco que es una obra cumbre!

Por un lado mi saxofonista tenor favorito: Benjamin Francis Webster, o sea, Ben Webster; que junto a Lester Young y Coleman Hawkins son la tríada sobre la que se apoyaron todos los saxofonistas que le sucedieron, desde Charlie Parker hasta Sonny Rollins.

Webster tiene todo. Elegancia y ferocidad. Swing y fogosidad. Etéreo y violencia. Nadie lo puede superar en las baladas cuando susurra, conmueve e insinúa. Pero en los tiempos rápidos es una ráfaga de swing endiablada y profunda.

Por el otro lado Arthur Tatum, o sea, Art Tatum; maestro de pianistas, que influenciado por Fats Waller y Earl Hines en sus comienzos desarrolló un estilo tan particular que luego, desde Oscar Peterson hasta Herbie Hancock lo han mencionado como un eterno referente. El punto que destaca a Tatum es que habiendo nacido casi ciego posee una memoria y oído poco común, además de una técnica y feeling descomunal. Es barroco y virtuoso al mismo tiempo.

Ahora bien, este álbum nace de la genialidad del productor Norman Granz, quien ya tenía desde 1946 a Webster en sus filas para los conciertos de Jazz at the Philarmonic, y desde 1953 a Tatum, a quienes en ambos casos le dio la libertad absoluta para que grabaran lo que quisieran y con quienes quisieran.

Estas dos leyendas nacidas en 1909 se juntan el 11 de septiembre de 1956 con un único deseo: pasarla bien. Para tal fin convocan a Red Callender en contrabajo y a Bill Douglas en batería. Estos dos enormes sesionistas están perfectos en su rol de apoyar, contribuir y generar los climas necesarios para que los dos grandes se expresen con total libertad.

Este disco es tan bueno que Webster siempre lo consideró su mejor disco en estudio y las pruebas están a la vista. Es un permanente duelo donde nadie quiere huir y todos salen ganadores, especialmente el oyente.

El repertorio elegido son los standards. Muchos clásicos y casi siempre la misma fórmula: Introducción y desarrollo de Tatum para después dejarle el lugar a Webster y que termine de hornear el pastel.

Por ejemplo, el disco abre con “All The Things You Are” y ya está… se acabó… lo que uno esté haciendo pasa a un segundo plano. Inmediatamente uno queda enganchado en la lírica de Tatum y en la belleza sin parangón de Webster. Todo el ambiente se convierte en algo majestuoso y emotivo. Es demasiada belleza para hacer otra cosa más que sentarse y dejarse llevar por tanto talento.
Le sigue “Gone With The Wind” y la magia serena de Webster que se contrapone al arrebato de Tatum que se expresa con majestuosidad.
Le sigue “Have You Met Miss Jones?”, y ya no nos podemos escapar del hechizo de Tatum y la sensualidad de Webster.
Cuando estamos entrando en una melancolía sin igual arrancan con “Night And Day”, el clásico de Cole Porter, y Tatum no toca, arrasa! Se exhibe exultante para dejarle el lugar a Webster que “swingea” como solo él puede hacerlo.
Le sigue “Where Or When” de Rodgers y Hart donde Tatum hace una entrada delicada y elegante para que después Webster nos atrape y nos lleve a un viaje sin igual.
Después viene “My Ideal” y la vida nos sonríe porque estos genios nos llevan un mundo insuperable.
Ya cuando pensamos que nada más pueden decirnos, llega el turno de “My One And Only Love”, y otra vez Tatum nos acaricia sutilmente con la introducción hasta que un visceral Webster y un emotivo Tatum demuestran como se toca una balada.

En las versiones alternativas que acompañan el disco son todas con Art Tatum solo al piano. Excelentes para apreciar el talento impar de este genio.

Un disco asombroso! Majestuoso. Melancolico. Sereno. Nostalgico. Bello. Placentero. Enternecedor. Profundo. Lírico. Reflexivo. Un disco sin igual. Un disco demasiado hermoso para no tenerlo.

Escúchenlo y después me cuentan.

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Charlie Haden & Quartet West - Always Say Goodbye (1994)

2009-02-11T15:42:00.001-08:00

Habitualmente Charlie Haden me aburre soberanamente, pero para mi sorpresa, “Always Say Goodbye” me encantó. En este disco el bajista evoca la década del treinta con un clima de film noir fantástico. Por eso es que Haden abre y cierra el álbum con fragmentos de la banda de sonido de su película favortita: “The Big Sleep”, cuya música fuera compuesta y grabada por el genial Max Steiner en 1946.

Haden pone a la tecnología de su lado y en ciertas canciones su banda inicia la versión y luego un gran artista clásico continúa con la canción logrando un clima absolutamente maravilloso y nostálgico.

Es para destacar “Ou Es-Tu, Mon Amour?” donde el magistral Stephane Grappelli ensambla su violín al cuarteto de Haden para luego dejarle el lugar a la versión que el mismo Grappelli grabara con Django Reinhardt en 1949.

Algo similar sucede con “My Love and I” donde Watts inicia la canción dejándole luego el lugar al genial Coleman Hawkins y su cuarteto en la versión que grabara en 1962.

Y asi va pasando el disco y escuchamos la voz de Jo Stafford y de Chet Baker; a la orquesta de Duke Ellington y como broche de oro, las voces de Humphrey Bogart y Lauren Bacall cierran el disco con el diálogo final de la película “The Big Sleep”.

Acompañan a Haden el gran saxofonista Ernie Watts, el pianista Alan Broadbent (notable pianista) y el baterísta Larance Marable.

Un disco exquisito para disfrutar de inicio a fin y dejarse llevar por la magia atemporal de este maravilloso experimento que hizo Charlie Haden.

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Buddy Rich & Harry "Sweet" Edison - Buddy And Sweet (1955)

2008-10-18T14:59:00.000-07:00

Otra joyita producida por Norman Granz. Grabada en 1955 nos muestra a un Buddy Rich demoledor y dejando bien en claro por que fue uno de los tres mejores bateristas de la historia del jazz.

Excelente el swing y el sonido de ese gran trompetista (con y sin sordina) que es Harry Edison en “Easy Does It”, “Nice Work If You Can Get It” y “All Sweets”. Siempre eficaz el apoyo de Jimmy Rowles en piano y el talento permanente de Barney Kessel en guitarra.

“Barney’s Tune” es el punto mas alto del disco con un excelente solo de Edison y un descomunal solo Buddy Rich que obliga a que varios bateristas se replanteen su carrera.

Una version con mucho swing del clasico de Charlie Parker “Now’s the time” donde Kessel y Rowles hacen de las suyas, pero luego viene lo mejor: un contrapunto de Edison y Rich donde se sacan chispas. Imperdible!

El album cierra con la hermosa balada “You're Getting To Be A Habit With Me” donde la aterciopelada trompeta de Edison se pasea por la melodia con muy buen gusto y Kessel y Rowles demuestran sus dotes.

Este disco lo incorporé hace muy poco a mi discoteca y me impacto desde su primera puesta, asi que lo comparto con todos ustedes.

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Tete Montoliu – Lunch in L. A. (1980)

2008-04-14T12:29:00.001-07:00

Tete Montoliu fue un extraordinario pianista catalán de jazz. Nacio en Barcelona en 1933 y murió víctima de un cáncer de pulmón en 1997.

Hijo de un músico de la sinfónica de Barcelona, Tete nació ciego y aprendió música por sistema braille mientras escuchaba música de Duke Ellington. Mas tarde estudió piano clásico en el Conservatorio de su ciudad natal.

Su interés por el jazz se debió a que el saxofonista vivió durante un buen tiempo en su casa y él lo llevo hacia este género de música. A los 17 años lideró su primer Jam Session.

De ahí en mas no hubo ningún músico importante de jazz que en su gira por España no se detuviera a tocar con Montoliu. Muchos de ellos han grabado grandes discos junto a él.

Este álbum fue el único que grabó para un sello americano. Si bien la mayoría de sus grabaciones son liderando un trio, en este caso está en solitario. Piano solo, y en la canción “Put your little foot right out” comparte cartel con Chick Corea.

Es un álbum para disfrutar el sentido del humor, feeling, swing y buen gusto de uno de los más grandes pianistas de jazz no estadounidense.

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Louis Prima - The Wildest Show At Tahoe (1958)

2008-04-14T11:34:00.000-07:00

Y si… lo confieso… me encanta Louis Prima…

No era un gran cantante, tampoco un gran trompetista, pero desbordaba swing y simpatia. Era un showman!

Su musica puede ser definida como el “nieto del swing” o el “padre del rock n’roll”. Algunas canciones suyas fueron revisionadas por David Lee Roth (Just a Gigolo/Ain’t Got Nobody) y Brian Setzer (Jump, Jive, An' Wail) quienes respetaron los arreglos originales y fueron, nuevamente, grandes exitos y hasta música de comerciales.

Louis nació el 7 de diciembre de 1910 en New Orleans, Louisiana, hijo de Angelina y Antonio Prima, inmigrantes italianos procedentes de Sicilia. Empezó a tocar la trompeta muy joven y de forma autodidacta. A finales de los años veinte formó su grupo y actuó en varios locales de New Orleáns hasta que en 1934 se traslada a New York para actuar en la famosa Calle 52. Por su banda pasaron grandes solistas como George Brunis, Claude Thornill, George Van Eps, Pee Wee Russell, o Eddie Miller.

Su éxito en los clubes no era debido a sus cualidades artísticas, sino a que el público lo iba a ver en busca de diversión. Este álbum plasma muy bien el clima que generaba Louis Prima en sus actuaciones.

Prima, además, compuso muchas canciones célebres como "Robin Hood", "Angelina" y el clásico que Benny Goodman inmortalizó en el concierto del Carnegie Hall de 1938: "Sing, Sing, Sing".

En los años cincuenta, formó pareja profesional con la que seria su cuarta esposa, la veinteañera Keely Smith, actuando en los mejores clubes de New York, Los Ángeles, Hollywood y Las Vegas., siendo sus actuaciones reconocidas como las más exitosas de la farándula nocturna de Estados Unidos. Fue en esta época que Louis comenzó a utilizar el idioma italiano mezclado con el inglés, que sumado a la esplendida voz de Keely Smith y el saxo de Sam Butera hicieron su sello característico.
Hasta Frank Sinatra se reconoció como un fan e iba muy seguido a verlo en en lobby del Hotel Sahara en Las Vegas.

En 1958 ganaron un premio Grammy por la canción "That old black magic" y estaban en los primeros puestos de ventas. En 1961 Smith y Prima se divorciaron y Louis se casó por quinta vez con la cantante Gia Maione y continuó trabajando hasta 1967.

Prima además fue la voz del orangután en la taquillera película de la Diney "El libro de la selva " y grabó para la película el hit, y hoy clásico, "I wanna be like you." Muy bien revisionada por los Big Bad Voodoo Daddy en los años 90.

En los años 70, Prima bajó su popularidad y se mudó a su New Orleans natal donde actuó hasta 1975, cuando le diagnosticaron un tumor en el cerebro y luego de la operación quedó en coma hasta que falleció en 1978.

En la actualidad su hija y su sobrino recrean sus canciones en Las Vegas, pero no tienen la intensidad ni el carisma característico de Louis Prima.

Escuchen en este album la magia y el clima que logran. Para disfrutar!

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Enrique Villegas & Paul Gonsalves – Encuentro (1968)

2008-01-19T17:43:00.000-08:00

Una joyita! Este álbum es una maravilla que en su momento editó el desaparecido sello Trova y que hoy en día es muy difícil de conseguir.

La historia dice que cuando la orquesta de Duke Ellington visita la Argentina por primera vez en septiembre de 1968, era muy común, en esa época, que los músicos después del show salieran a conocer la famosa noche porteña y su música. En uno de esos recorridos, el saxofonista Paul Gonsalvez y el trompetista Willie Cook van a escuchar al pianista Enrique “Mono” Villegas y salen encantados con el estilo del genial pianista.

Ahí mismo, por iniciativa del dueño del sello Trova, Alfredo Radoszynski, invita a ambos músicos a grabar con el trio de Villegas. Ambos aceptan de inmediato y éste es el resultado de ese encuentro. La grabación se completa con Alfredo Remus en contrabajo y Eduardo Casalla en batería.

La grabación se desarrolla dentro de un excelente clima con solos muy inspirados y variados. Excelente la versión de “Perdido”.

Éste álbum es un testimonio único de una época y de unos músicos que difícilmente se repitan.

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Creedence Clearwater Revival - Cosmo’s Factory (1970)

2008-01-19T09:48:00.000-08:00

Fue el primer disco de rock que me regalaron. Yo tenía siete años y recuerdo que lo puse con mucha delicadeza en mi Wincofon, y toda mi perspectiva del mundo cambio en ese instante.

El disco arranca con el furiososo “Ramble Tamble”… siete minutos y algo mas de puro rock!, la trepidante batería de Doug Clifford, la voz gastada y a la vez sexy del genial John Fogerty con sus interminables solos de guitarra, y una base que siempre está; prolija, sencilla y efectiva.

El disco es perfecto. No tiene un solo punto flojo. Las canciones se suceden una a una y todas son buenas. Es, a mi criterio, la obra maestra de esta gloriosa banda. Éste disco se editó en julio de 1970 y es el quinto álbum de Creedence. ~

El disco desborda ese rock tan sureño con gotas de música country y blues que lo hacen una delicia; incluso los covers de clásicos como “Ooby dooby”, “My baby left me”, “Before you accuse me” y el himno de Marvin Gaye “I heard through the grapevine”, hacen que sea un disco imprescindible.

Lo curiososo es que las canciones compuestas de Fogerty no desentonan en nada con el resto del material, todo lo contrario, lo hacen todavía una obra mas grande.

Fogerty compuso una maravilla dentro del estilo country: “Lookin' out my back door”; compuso un hit y un clásico “Who'll stop the rain”; compuso un arrollador rock n’ roll: “Travellin band” (siempre soñé que si tenía una banda de rock se llamaría Banda Viajera en homenaje a esta canción).

Créanme, una vez que uno escucha éste disco nada vuelve ser lo mismo…

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Sarah Vaughan - How Long Has This Been Going On? (1978)

2007-09-11T20:16:00.000-07:00

Y si… Sarah esta entre las mejores tres cantantes de jazz de todos los tiempos junto a Ella Fitzgerald y Billie Holiday.

Su voz se caracteriza por su tonalidad grave, enorme versatilidad y un total control del vibrato. Con los años su voz se fue haciendo más oscura, paro jamás perdió su potencia y flexibilidad.

En este álbum, producido por Norman Granz para el sello Pablo, se la puede disfrutar como pocas veces. Grabado en 1978 se puede decir que esta en su etapa de madurez y mayor aplomo. Su voz es un instrumento más.

Enfrenta los standards con una magia increíble, además acompañada por un cuarteto de lujo: Oscar Peterson en piano, Joe Pass en guitarra, Ray Brown en contrabajo y Louie Bellson en batería.

Conmueve en "Midnight Sun" y "Body and Soul", que son dos canciones para escuchar una y otra vez…

Imprescindible!

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Ray Charles & The Count Basie Orchestra - Ray Sings Basie Swings (2006)

2007-09-05T20:04:00.000-07:00

Este álbum es una rareza, ya que Ray Charles y Count Basie jamás grabaron juntos, pero en este disco si lo están en un registro póstumo, porque Ray Charles murió en el 2004 y Basie en 1984; pero, la orquesta de Count Basie, continúa haciendo presentaciones y grabando bajo la dirección de Bill Hughes.

El álbum fue concebido después que el productor John Burk descubriera cintas etiquetadas como Ray/Basie en las bodegas de Concord Records, sin embargo sufrió una gran decepción al darse cuenta de que la cinta contenía trabajos de los músicos por separado, aparentemente grabados por Norman Granz en la década del 70, durante algún tour por Europa.

De ahí nació la idea de llamar a la actual orquesta de Basie para que arregle y grabe las bases musicales y ponerle encima los registros encontrados de Ray Charles.

El resultado permite escuchar las grabaciones vocales de Charles en temas como “Let the Good Times Roll”, “Georgia on My Mind” y “I Can't Stop Loving You”. Muchos de los arreglos fueron escritos por instrumentistas invitados, incluyendo a los veteranos Shelly Berg, Quincy Jones y Tom Scott.

El álbum también contiene el tema “Every Saturday Night”, que por largo tiempo fue el favorito dentro del repertorio en conciertos, pero nunca antes había sido incluido en un disco.

En resumen, un disco muy bueno con excelente sonido y una música de altísimo nivel, donde esta lo mejor de ambos mundos: el jazz y el soul.

Para disfrutar.

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Toots Thielemans and Elis Regina - Aquarela Do Brasil (1969)

2007-09-05T17:13:00.000-07:00

Elis Regina es la voz femenina de Brasil. Todo dicho.

Elis nació en 1945 y murió por una sobredosis de drogas, tranquilizantes y alcohol en 1982 a los 36 años, lo que la transformó en un mito.

Nacida musicalmente a mediados de los sesenta en el período post bossa nova, pronto comenzó a incorporar a su repertorio la música de los jóvenes músicos de la música popular brasileña. Ella impulsó las carreras de compositores como Milton Nascimento, Gilberto Gil, Joao Bosco e Ivan Lins.

Este álbum grabado en 1969 es el encuentro entre Elis y el armonicista belga Toots Thielemans grabado en Suecia durante la gira europea de ella.

Es un gran disco fuertemente volcado hacia la bossa nova pero magníficamente interpretado.

Para los que no lo conocen, el barón Jean-Baptiste Frédéric Isidor "Toots" Thielemans nació en Bruselas en 1922 y es un músico de jazz especializado en la armónica, aunque, ocasionalmente, también ejecuta la guitarra y compone.

“Wave”, “Aquarela do Brasil” y el clásico “Honeysuckle Rose” se destacan en un disco muy parejo que en términos actuales se podría definir como muy “smooth”.

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George Michael - Songs From The Last Century (1999)

2007-09-05T15:49:00.001-07:00

A mi gusto George Michael es el mejor cantante pop de la actualidad. Este album fue el menos vendido de su carrera, pero es sencillamente extraordinario.

Editado a fines de 1999 interpretó clásicos del Siglo XX con un toque muy jazzy. En algunas versiones desborda swing, en otras melancolia; pero su sensualidad, feeling y calidad de interpretación esta siempre presente.

La producción de Phil Ramone es impecable.

Increíble la versión de “I remember you” acompañado solamente de un arpa; "Brother Can You Spare a Dime" es interpretada con un sentimiento desgarrador y brillantemente orquestado. La versión “cool” del clásico de The Police “Roxanne” es para escucharla una y otra vez. Como dije antes, desborda swing y buen gusto en "My Baby Just Cares For Me" y “Secret love” (atención a como canta la coda final!)

Que placer sería que haga un dueto con Tony Bennett!

Escúchenlo, no se van a arrepentir.

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Wes Montgomery - The Incredible Jazz Guitar (1960)

2007-09-03T20:36:00.000-07:00

Su forma suave de pulsar las cuerdas y sus solos basados en octavas influyeron en infinidad de músicos. Influenciado por la música del guitarrista Charlie Christian y del genial Django Reinhardt, este autodidacta hizo muchos excelentes álbums, pero sin duda el mejor es el que les presento aquí.

Grabado en New York en 1960, reúne a tres notables músicos: el baterista Albert Heath, al notable contrabajista de The Modern Jazz Quartet, Percy Heath y excelente pianista Tommy Flanagan.
El álbum abre con la pieza de Sonny Rollins “Airegin” en una versión arrolladora; le sigue “D-natural blues”, con un muy buen solo de Flanagan; “Polka dots and moonbeans” le continúa con un exquisita introducción de Wes; le sigue “Four on six”, otra canción de Montgomery con un largo solo de Percy Heath.

“Wes coast blues” empieza con un hipnótica y repetitiva introducción; le sigue un tema del gran Dave Brubeck: “In your own sweet way” que se destaca por lo calmo y bello; “Mr. Walter” es un tema movedizo pero de gran belleza conjunta. “Gone with the wind” cierra el álbum en formato de trío (sin piano) y donde Wes demuestra por qué se convirtió en el guitarrista más importante de los ‘60.

Un disco único, suave, cálido, acogedor y mágico que no deben dejar de tener.

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Charlie Watts Quintet – A Tribute to Charlie Parker (1992)

2007-08-22T17:07:00.001-07:00

El más puro, serio y elegante Stone de todos (el único que nunca se divorció y al cual tanto Jagger como Richards lo consideran el verdadero líder del grupo), nos sorprende con un disco extraordinario.

Es sabida la pasión que Charlie Watts tiene por el jazz y especialmente por el bop, tanto que hasta ha escrito un libro dedicado a Charlie Parker: "Ode to a high flying bird".
En éste notable álbum homenajea a “Bird” con su quinteto y el agregado del cantante Bernard Fowler, quien además de narrar la vida del malogrado saxofonista, interpreta una excelente versión de “Lover Man”.

El disco esta grabado en vivo en el Ronnie’s Scotts de Birmingham y Charlie Watts está secundado por el increíble saxofonista Peter King (escúchenlo con atención!!), el trompetista Gerard Presencer, el pianista Brian Lemon (ninguno de estos dos están a la altura del resto) y David Green en bajo.

El concierto cuenta de dos partes. La primera, con el quinteto a pleno, y la segunda con el agregado de cuerdas rememorando al famoso disco “Parker & Strings”.

Se destacan "Just Friends", "Dewey Square" y "Perdido".

Es un álbum que si sigues a los Rolling Stones tienes que tenerlo como curiosidad; y si te gusta el jazz es imprescindible.

Parte 1: http://rapidshare.com/files/51105000/CWQ.Tribute.parte1.rar

Parte 2: http://rapidshare.com/files/51117318/CWQ.Tribute.parte2.rar

Blossom Dearie - Blossom Dearie (1956)

2007-08-22T14:26:00.003-07:00

Una cantante y pianista difícil de encuadrar con una discografía muy difícil de conseguir. Para algunos es una Billy Holiday optimista, para otros una Doris Day “cool”… Yo no se donde ponerla, pero si puedo decir que es agradable aunque su registro de voz es pequeño y tiene un timbre aniñado.

Esta neoyorquina tiene grabaciones prolijas y totalmente “Easy listen” donde se impone por sofisticación, inocencia y diversión.

Triunfó en París en 1952 donde actuaba auto acompañada con el piano, pero su mejor período es el que comprende entre 1956 y 1960 para el sello Verve, el álbum que aquí les presento es el primero de ellos, y esta acompañada por excelentes músicos como Herb Ellis en guitarra, Ray Brown en contrabajo y Jo Jones en batería.

Vale la pena escucharla y que cada uno saque sus propias conclusiones.

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Big Bad Voodoo Daddy - Big Bad Voodoo Daddy (1998)

2007-08-22T14:26:00.002-07:00

Big Bad Voodoo Daddy es una de las pocas bandas de música neo-swing que ha conseguido un disco de oro y un éxito radiofónico alternativo, y a mi criterio es la mejor de todas. Tuve la oportunidad de verlos dos veces en vivo y son demoledores. Una fiesta de principio a fin.

El momento clave en la carrera del grupo llegó cuando se convirtieron en la banda permanente los miércoles por la noche en el Derby Dance Hall en Los Ángeles, en donde tomaron el lugar de la Royal Crown Revue en 1995.

El director de la película independiente "Swingers", Jon Favreau, se convirtió en un visitante regular y se hizo amigo de la banda. Su reconocido tema, "You & Me & The Bottle Makes Three Tonight", formó parte de la banda sonora de la película y se convirtió en un exito.

Otra de las canciones del grupo, "Cruel Spell", fue incluida en un episodio de la serie televisiva "Party Of Five".

A finales de 1997, el grupo auto-publicó dos álbumes, "Big Bad Voodoo Daddy" y "Whatchu' Want for Christmas", los cuales se convirtieron en éxitos locales y dieron lugar a la firma de un contrato con la disquera comercial Capitol Records.

En febrero de 1998, Capitol lanzó el primer disco debut del grupo, también titulado "Big Bad Voodoo Daddy" (que es el que incluyo aquí), el cual fue nominado para un Grammy en 1999. El álbum se ubicó en la posición número 64 de las listas y permaneció en ellas durante más de un año.

En enero de 1999, Big Bad Voodoo Daddy tocó durante el show de intermedio del Super Bowl, evento que marcó su entrada en el mundo de la música popular americana.
"This Beautiful Life" salió a la venta el siguiente año. Este disco incluyó el cover de "I Wanna Be Like You", originalmente producido para la banda sonora de la clásica película de Disney en 1966 "El libro de la selva”, que se convirtió en otro éxito.

Después editaron “Save my soul” y el año pasado editaron un CD/DVD en vivo. Para escuchar bien fuerte y bailar sin parar…

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Bob Dylan – Desire (1976)

2007-08-22T14:26:00.001-07:00

Nacido el 24 de mayo de 1941 en el seno de una familia judía de Minnesota bajo en nombre de Robert Zimmerman, Bob Dylan comenzó su carrera como solista tocando en locales nocturnos. Su único acompañamiento era su guitarra y su armónica, así como su inconfundible voz nasal. Fue en esa época cuando decidió adoptar el nombre artístico de Bob Dylan, en honor al poeta Dylan Thomas.

La CBS, mediante su agente ejecutivo John Hammond, lo contrata antes de que finalice 1961. Hasta la fecha lleva editados 46 discos solistas, 8 álbumes recopilatorios y más de 15 libros donde demuestra que es un artista total.

El poeta americano Allen Ginsberg le define como "un trovador del siglo XX" y Leonard Cohen ve a Bob Dylan como "uno de esos personajes que sólo aparecen una vez cada 300 o 400 años". Bruce Springteen, por su parte, pronunció una frase que deja muy claro que Dylan es algo más: "En la música, Frank Sinatra puso la voz, Elvis Presley puso el cuerpo y Bob Dylan puso el cerebro".

Aca tenemos “Desire”, lo que a mi gusto es uno de sus mejores trabajos.

El disco es una auténtica obra maestra -donde Bob volvió a ser número uno en ventas a nivel mundial luego de algunos discos irregulares- con una mágica combinación de sonidos basados en la armónica de Dylan, el violín de Scarlett Rivera y los coros de Emmylou Harris.

En el LP original (este es otro álbum que tengo en todos sus formatos), el poeta Allen Ginsberg, comenta en su interior, cada una de las canciones del disco, haciendo mas poesía sobre la poesía. De éste disco es el célebre tema “Hurricane”, que volvió a ponerse de moda por la película homónima protagonizada por Denzel Washington, acerca del boxeador Rubin Carter injustamente acusado de un asesinato que no cometió. Esta canción estuvo prohibida su difusión radial en los Estados Unidos durante varios años.

Los otros temas que se destacan, que en realidad son todos, son: “Isis”; “Mozambique”; “One more cup of coffee” que años después la recreara Robert Plant en uno de sus discos solista; “Oh Sister” (dedicado a Joan Baez); “Joel”; “Romance in Durango” (donde Dylan expresa una frase emblemática en castellano: “No llores mi querida, Dios nos vigila”); “Black Diamond Bay” y cierra el disco “Sarah”, dedicada a su esposa de aquellos tiempos.

En resumen: Un álbum imperdible!

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Hair - Buenos Aires (1971)

2007-08-22T14:26:00.000-07:00

Este álbum es un testimonio de una época muy especial y además es muy difícil de conseguir.

En 1971 se presentó en el Teatro Argentino una adaptación de la Comedia Musical “Hair” que venía arrasando a nivel mundial.

La puesta argentina tuvo un toque local fuerte y contó con un staff con mucha gente conocida a través de los años: Ricardo Acosta, Carlos Avalos, Luis Vacantes, Mirta Busnelli, Cristina Bustamante (algunos dicen que esta señorita era la “muchacha ojos de papel” inmortalizada por Spinetta), Jorge Bustamante, Chango Bongo, Jorge Costa, Susana Debert, Regina Dosantos, Carola Cutaia, Raul Fernandez, Sussan Ferrer, Horacio Fontova, Jorge González, Juanco, Marcela de Laferrere, Danile Laufer, Maby, Sergio Makaroff, Roberto Martinez, Julio Ocampo, Juan Carlos Ochipinti, Ruth Reisin, Rolo, Mara Suárez, Franca Tosato, Susana Migliore de Vega, Teddy Vega, Emilio Vigo y Rubén Rada

La dirección musical corrió por cuenta de Carlos Cutaia, quien mas tarde sería tecladista de Pescado Rabioso y La Máquina de Hacer Pájaros.

Para marcar lo que significó en su momento esta puesta en escena, agrego un testimonio de Miguel Cantilo: "Era un elenco muy real, tan realista que se tomó en serio el argumento de la comedia y lo llevó a la vida misma, entonces, esos hippies del escenario se transformaron en hippies de la vida real y muchos de ellos se fueron a vivir al bolsón.”

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Rick Wakeman - The Six Wives of Henry VIII (1973)

2007-08-21T21:16:00.000-07:00

Ahora pasamos al rock sinfónico con Rick Wakeman quien es considerado el mejor tecladista de todos los tiempos dentro del rock.

En esta ocasión tenemos su segundo álbum solista (a la fecha lleva editados 85 discos, sin contar los que grabó con Yes) grabado en 1973 cuando tenía 24 años de edad, lo que demuestra el talento innato de este notable músico.

Este álbum conceptual esta inspirado en un libro acerca de las seis esposas del Rey Enrique VIII que Wakeman leyó mientras esperaba en un aeropuerto. Si bien la crítica no fue benevolente con él cuando fue editado, el público lo convirtió en un clásico.

En este disco participaron miembros de Yes en bajo, batería y guitarra, pero sus papeles son completamente secundarios. Dentro de la versatilidad de Wakeman para generar paisajes sonoros, se destacan “Catherine Howard”, “Jane Seymour”, “Anne Boleyn” y “Catherine Parr” además de la clara influencia de Bach y Mozart.

Para disfrutar de inicio a fin.

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Al Di Meola, John McLaughlin y Paco de Lucía - Friday Night In San Francisco (1980)

2007-08-21T21:09:00.000-07:00

Este álbum es indescriptible. Para algunos es Flamenco, para otros es Jazz, y para otros es World Music. Para mi es una joya!

Este disco fue grabado en vivo en San Francisco el viernes 5 de diciembre de 1980 en el Warfield Theatre, tres días antes del asesinato de John Lennon.

Al Di Meola, John McLaughlin y Paco de Lucía se lucen, pero por sobretodas las cosas, se divierten y disfrutan plenamente el momento. Es un lujo escuchar arte, buen gusto, técnica y pasion.

Es un álbum imprescindible!

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Spineta Jade - Los Niños Que Escriben En El Cielo (1981)

2007-08-17T20:13:00.000-07:00

Este es el mejor álbum de Spinetta Jade y uno de los mejores discos de la historia del Rock Argentino. Un disco menos jazzero que el predecesor “Alma de diamante” pero mucho mas elaborado y sutil con muchos climas, ya que al tener dos tecladístas, Spinetta priorizó el sonido del grupo antes que la guitarra.

Este álbum contiene temas que ya forman parte de los clásicos de Luis Alberto Spinetta.

“La herida de Paris”, “Moviola”, “El hombre dirigente” y “Contra todos los males de este mundo” son los puntos más altos junto al maravilloso y lírico "Umbral", donde su guitarra acústica lo dice todo. Además, a mi criterio, ésta es la mejor formación de Spinetta Jade: Spinetta en guitarra y voz; Leo Sujatovich en teclados; Diego Rapoport en piano; Pomo en batería y Frank Osterzeck en bajo.

Este es un disco que también me lo llevaría a la isla desierta.

Spinetta Dixit: "Porqué el título del disco? No lo sé...creo que la metáfora tiene que ver con los hombres, no sólo con los niños. Los hombres se deslumbran como niños cuando miran el cielo, y todos escribimos en el cielo. Escribimos mirando. La cultura dibujó en el cielo las constelaciones. Trazando figuras...e incluso las usó para guiarse". Todo dicho!

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June Christy - The Misty Miss Christy (1955)

2007-08-17T17:51:00.000-07:00

Esta cantante que estuvo entre el jazz y la música popular nació en 1925 y tuvo su época mas gloriosa en la década del ’50, dejando su sello como la cantante más representativa del cool jazzístico de esa década.

Comenzó de muy joven y reemplazó a la extraordinaria Anita O’day en la orquesta de Stan Kenton en 1945; luego de la disolución de ésta orquesta inició su etapa solista y en 1954 firmó para el sello Capitol donde tuvo sus dos discos mas vendidos: “Something Cool” y éste que les ofrezco aca. Ambos discos fueron el puntapié inicial del movimiento cool.

Se retiró en 1965 y regresó en 1977 con un disco titulado “Impromptu para Musicraft”. Murió en 1990.

En “The Misty Miss Christy”, un disco para escuchar relajado, la acompañan algunos músicos muy importantes del jazz:

Laurindo Almeida - Guitar
Bob Cooper - Sax Tenor
Maynard Ferguson - Trumpet
Bob Gordon - Sax Baritone
Herbie Harper - Trombone
Shelly Manne - Drums
Bud Shank - Flute, Sax Alto
Harry Babasin - Bass
Pete Candoli - Trumpet
John Graas - French Horn
Claude Williamson - Piano
Corky Hale - Harp
Benny Aronov - Piano
Milt Bernhart - Trombone
Harry Betts - Trombone
Larry Bunker - Percussion, Drums
Conrad Gozzo - Trumpet
Chuck Gentry - Sax Baritone
Howard Roberts - Guitar
Harry Klee - Flute, Sax Alto
Joe Mondragon - Bass
Dick Noel - Trombone
George Roberts - Trombone
Frank Rosolino - Trombone
Alvin Stoller - Drums

Pete Rugolo - Arranger, Conductor

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Miles Davis – Kind of Blue (1959)

2007-08-15T13:50:00.001-07:00

Este album es paradigmático. Es el disco de jazz más vendido en la historia. Conozco amigos a los cuales no les gusta el jazz y sin embargo lo tienen entre sus favoritos. Algunos lo consideran ideal para “aclimatar” una cena romántica, sin embargo es a mi gusto una síntesis de la historia del jazz.

"Kind of Blue" fue grabado el 2 de marzo de 1959 por una banda excepcional: John Coltrane en saxo tenor, Bill Evans en piano (Winton Kelly lo reemplaza en "Freddie Freeloader"), Cannonball Adderley en saxo alto, Paul Chambers en bajo y Jimmy Cobb en batería.

Lo revolucionario de éste álbum es su estilo frío y reflexivo que genera una gran atmósfera. La leyenda dice que, excepto "Flamenco Sketches", todas las canciones fueron hechas en una sola toma. La primera y definitiva.

"So What" y "All Blues" son canciones interpretadas por cuatro solistas de primera línea apoyados en una base rítmica sólida y madura que se convirtieron en standards.

Te guste o no te guste el jazz este disco no puede faltar.

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Deborah Cox - Destination Moon (2007)

2007-08-15T12:54:00.000-07:00

Un album nuevo. Editado en junio del 2007 es el cuarto disco de esta diva que hasta ahora venía cantando R&B/Dance.
En esta ocasión me sorprendió con un disco de jazz sin desperdicio de principio a fin.

Tomando como referencia a esa gran cantante que fue Dinah Washington, Deborah Cox sorprende con su delicadeza, buen gusto y feeling para recrear viejos Standards bajo la impecable producción de Rob Mounsey, un hombre que trabajó con Paul Simon, Steely Dan, Aretha Franklin y Tony Bennett entre otros.

Se destacan las canciones "Destination Moon", "I Don't Hurt Anymore", "This Bitter Earth", "Look to the Rainbow" y "Blue Skies" y lo bien que la Cox pasa del blues, al swing. Muy recomendable!

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Donald Fagen - The Nightfly (1982)

2007-08-15T07:29:00.000-07:00

No podía empezar este blog sin comentar mi disco preferido. El primero que pongo en la lista para llevarme a una isla desierta. No puedo creer que haya gente que camine impune por el mundo sin aun haberlo escuchado. Tampoco puedo creer que en 1982 le hayan dado el premio Grammy como mejor disco a “Toto IV” y no a esta joya.

Esta obra fue la primera grabada 100% digital y su sonido es tan bueno, que hoy en día se sigue usando para probar los equipos de Hi Fi, además de no faltar en la discoteca de ningún melómano.

Para lo que aun caminan impunes por el mundo sin haberlo escuchado, les cuento que Donald Fagen fue junto a Walter Becker líder de esa exquisita banda que fue Steely Dan, de la cual ya hablaré en otro momento.

“The Nightfly”, es el debut como solista de Donald Fagen, que continuó con el sonido de Steely Dan, pero, a mi criterio, con mucha mas sustancia, ambición y elegancia tanto en las letras como en el sonido. En la contratapa del LP, (Si, lo tengo en LP, en cassette y en CD), Fagen dice que las canciones en este álbum "representan ciertas fantasías que pudieron entretener a un hombre joven que crecía en los suburbios alejados de una ciudad del noreste a fines de los años '50 y comienzo de los '60". Otro punto fuerte del álbum son los músicos: el tecladista Greg Phillinganes (co autor de varios hits junto a Lionel Richie), el desaparecido y notable baterista Jeff Porcaro, los coros de Valerie Simpson, Larry Carlton en guitarra, los hermanos Brecker en saxos y trompeta, Anthony Jackson y Abraham Laboriel en bajo, entre otros.
Además “Maxime” es la mejor canción de amor de los últimos 25 años.

Más motivos no les puedo dar para que tengan este álbum.

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Hola a todos!

2007-06-29T19:03:00.000-07:00

Bienvenidos a mi blog, el blog de MR. BELZONI.

Recuerden que este blog es meramente informativo.

Trato de dar a conocer artistas y obras poco difundidas.

Los invito a comprar los CDs que difundo aqui en vuestra tienda de discos más cercana.

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